MODERNISMO

GENERACIÓN DEL 98 EN ESPAÑA

MARCO HISTÓRICO. EL SIGLO XX 

LOS TÉRMINOS "MODERNISMO" Y "GENERACIÓN DEL 98"

El modernismo es un movimiento cultural y artístico dominado por el concepto subjetivo de belleza que busca la originalidad. Huye de la simetría, se inspira en el mundo de la fantasía y la naturaleza, y en todo aquello que es ondular y fugaz. Es por eso que la línea dominante del modernismo es la curva. 

Esta corriente de renovación artística y contemporánea denominada modernismo nace a finales del siglo XIX y principios del XX. Es un movimiento de origen europeo, pero de consagración latinoamericana que se produce aproximadamente entre las tres últimas décadas del siglo XIX y las dos primeras del siglo XX. El modernismo como tal, nace en Bélgica de la mano de Van de Velde y Víctor Horta. Éste último realizó un programa estético, construyó la casa Tassel, y utilizó el hierro como material esencial en la estructura y en la decoración. Víctor Horta renueva el diseño de los espacios internos y de las fachadas de hierro. Por su parte, Henry Clemens Van de Velde (1863-1957) es uno de los primeros modernistas. El artista construye la casa Bloemenwert, pero lo más interesante es el diseño de su decoración. Tiene influencias del expresionismo alemán, y son típicos sus tejados ondulados.

La insatisfacción generalizada ante el eclecticismo; la alternativa presentada por el movimiento Arts and Crafts; y el nombre creciente de arquitectos que utilizaban los nuevos materiales con una libertad expresiva absoluta, son algunos de los factores que influencian en el surgimiento del modernismo. 

Aunque las fechas, las causas y los nombres son diferentes en cada país europeo. En Bélgica recibe el nombre de Art Nouveau, en Alemania el de Jugendstil, en Austria el de Wiener Secesión, el de Liberty en Italia, y el de modernismo en España.

Los artistas crean en esta corriente lenguajes expresivos propios, con una individualidad muy fuerte, tanto que resulta difícil observar un ideario común para todos. Pero si que comparten algunos aspectos como: el deseo de crear formas nuevas y liberadas, y el bagaje de medio siglo de conquistas técnicas. Con el modernismo se pretende también romper con el Romanticismo y el historicismo propios de aquella época.

GENERACION DEL 98

GENERACIÓN DEL 98


¿Que es la generación del 98?

La llamada generación del 98 es el nombre dado por Azorín, en 1913, a un grupo de escritores que asumieron la decadencia ante el desastre colonial y se comprometieron más con la realidad pretendiendo buscar soluciones para transformar España. Azorín, Baroja, Unamuno, Maeztu, Machado y Valle-Inclán son sus componentes. Sus rasgos más característicos son:

*Visión crítica de España.

*Lenguaje natural al servicio del pensamiento.

*Renovación de todos los géneros literarios. La crisis social del cambio de siglo y la angustia vital heredada del romanticismo les llevó a experimentar nuevas formas en los terrenos artísticos y literario, cambiando el método de la observación fiel de la realidad por una visión subjetiva y a veces grotesca de lo absurdo de la vida.

1. La novela de la generación del 98.

Los escritores de la generación del 98 experimentaron con todos los géneros y contribuyeron a la renovación de la novela en diversos aspectos:

*En cuanto al tratamiento de los temas, vierten sus angustias y temores, su concepción de la vida y del arte.

*En lo que se refiere a la renovación estética del lenguaje, algunos como Valle-Inclán siguen la iniciada por el modernismo: descripción impresionista de la realidad, concepción nostálgica del pasado o de mundos exóticos, idealización del paisaje...Todas reacciones contra el estilo realista (al que califican de vulgar). Con un lenguaje elaborado, intelectual, a veces de gran sensibilidad y precisión, y otras realzado por la ironía siempre provocadora.

*En las técnicas narrativas experimentan con el punto de vista, superando la narración omnisciente al modo de Galdós.

2. La poesía de la generación del 98

dentro del movimiento ideológico y estético que supone el modernismo, algunos poetas, es el caso de Unamuno y Machado, acogen en sus versos el espíritu del 98, es decir, una literatura más sobria en el estilo y más comprometida con la realidad española. Esto se muestra tanto en su escritura que es más reflexiva, sentenciosa y analítica como en su temática, centrada en torno a la visión de España (en la que den salida a los problemas nacionales) o entorno a sus preocupaciones existenciales que se expresan en una imagen “dolorida” de Castilla.

2.1 La visión de España

La imagen de España que ofrecen los poetas de la generación del 98 es un cuadro amargo y pesimista que pretende remover la conciencia nacional. Esta visión crítica se expresa mediante 3 vías:

*la proyección de su sensibilidad sobre el paisaje de Castilla (Machado)

*el descubrimiento de la historia intima del pueblo y de las tradiciones

(intrahistoria) (Unamuno)

*La valoración del pasado literario, sobretodo medieval (Machado). La renovación de la historia lleva a estos poetas al redescubrimiento de autores y obras literarias del pasado. Rescatan entre otros a Gonzalo de Berceo, al Arcipreste de Hita, la Celestina, el Góngora de la poesía popular, Larra y el Quijote, al que elevan a su condición de cumbre de nuestra literatura.

3.2 Las preocupaciones existenciales

Los poetas del 98 nos transmiten también sus preocupaciones metafísicas, es decir, las inquietudes que transcienden la realidad sensible: Dios, la muerte, la vida humana...ante sus interrogantes sobre la existencia adoptan varias posturas:

*Participan de la idea barroca de la vida como sueño. Muestran una

concepción del mundo basada en el desengaño y en el escepticismo.

*Contemplan la realidad con tristeza o con nostalgia y recurren a los

recuerdos para recuperar el tiempo transcurrido.

*Hurgan en su mundo intimo, en su propio yo, y manifiestan su soledad más

como estado anímico que como situación real.

4 Autores de la generación del 98

3.1 Antonio Machado

Es el principal poeta de la generación del 98. nacido en Sevilla en 1975, vivió en tierras castellanas desde los 8 años. Tras una intensa labor literaria tiene que abandonar España al acabar la guerra civil y llega a Francia donde muere en 1939. su creación poética está marcada por distintos acontecimientos vitales que se reflejan en ella:

*Tras un viaje a Paris donde conoce a Rubén Darío, publica “soledades” (1903), que reelabora más tarde en “soledades, galerías y otros poemas” (1907). Es una obra con algunos rasgos modernistas que adelantan ya los temas y formas poéticas que le caracterizan.

*Su traslado a Soria como profesor es trascendental para su vida: allí conoce a su futura esposa, Leonor Izquierdo, allí moriría 3 años después con 18 años y allí profundiza él en el alma de Castilla. Es la época de “Campos de Castilla” (1912), su obra principal.

*Posteriormente en “nuevas sensaciones” (1926), ofrece sus reflexiones a modo de proverbios, asi como poemas intimistas sobre el recuerdo de Leonor y un nuevo amor, Guiomar. Más tarde, rememora el paisaje castellano y comienza a cultivar, de acuerdo con su preocupación por España, la poesía social.

La poesía de Machado se asienta en dos supuestos básicos, la esencialidad y la temporalidad. Desde ellos aborda una doble tarea: captar la esencia de las cosas (el misterio del mundo y del hombre) y expresar el paso del tiempo o el fluir de la vida. Por eso, los temas fundamentales que se repiten en toda su obra poética son el destino casual, el amor, el paisaje, la búsqueda de sí mismo en el tiempo, en el amor, en la muerte, en el sueño o en un Dios impreciso.

Para expresar sus sentimientos sobre esas realidades y temas metafísicos, Machado recurre a diversos símbolos: el agua, la fuente, el río, el mar (el paso del tiempo); el camino representa la vida como búsqueda; la tarde simboliza la melancolía y la nostalgia, ect...

3.2 Miguel de Unamuno

Nació en Bilbao en 1864 y murió en Salamanca en 1936.

Fue catedrático universitario y hombre de gran cultura; ejerció como liderazgo intelectual para muchos de sus contemporáneos y la influencia de su pensamiento llega hasta nuestros días. Figura clave en el pensamiento español pero también un personaje publico controvertido: socialista en su juventud, apoyó las ideas republicanas en un principio. Catedrático de griego en la universidad de Salamanca fue desterrado entre 1924 y 1930 por la dictadura del general Primo de Ribera a Fuerteventura, París y Hendaya para regresar a España tras la caída de la dictadura del general. En sus obras, escritas siempre con estilo sobrio y preciso refleja la existencia humana como conflicto permanente entre el sentimiento de la inmortalidad y la fe en Dios y la razón. Se pueden destacar los siguientes puntos de su propuesta filosófica:

*Su interés se centra en la identidad individual y en los ideales de la sinceridad y la honestidad con uno mismo (su perfil psicológico)

*La filosofía tiene que dar expresión al sentido de la existencia humana y responder a la necesidad de formarnos una concepción unitaria y total del mundo y de la vida.

*El sentimiento de la existencia engendra una actitud íntima.

*La verdad, en la medida que da impulso a la vida, tiene que estar subordinada a ella. La vida es el auténtico criterio de verdad y “no la concordia lógica” (Unamuno) que es solo de la razón.

*Respecto a Dios y la existencia, cree Unamuno que la solución más atractiva a los problemas de la existencia humana e la esperanza en la vida eterna que se expresa en el “hambre de inmortalidad” y el “hombre de Dios”. Ninguna de las dos puede ser satisfecha por la razón, sino solo por la fe. La fe unamuniana se caracteriza por:

-carece de las características dogmáticas del catolicismo tradicional.

-se trata de una activa confianza en la potencia de la imaginación.

-la fe en la inmortalidad no viene de fuera y responde a una responsabilidad, a una necesidad vital y existencial.

*Sus obras de contenido filosófico más importantes son: “la vida de Don Quijote y Sancho”, “del sentimiento trágico de la vida”y “la agonía del cristianismo”.

Cultivó todos los géneros literarios como el ensayo, teatro, poesía y novela y precisamente fue en la novela, a la que llamó Nivola, donde intentó la máxima experimentación. Escribió novelas de ideas para acercarse a las profundidades del ser humano y manifestar sus preocupaciones ideológicas y existenciales. Las novelas de Unamuno (“niebla”, “Abel Sánchez”, “la tía Tula”, “San Manuel Bueno, mártir”) recogen diversos temas: la búsqueda de la personalidad, el conflicto entre creador y el personaje, la envidia, la maternidad frustrada, los problemas de fe e inmortalidad...

En general su estructura es sencilla, el autor a veces se confunde con los personajes; la escasez de descripciones se compensa con...........

MODERNISMO

Que es el MODERNISMO?

El modernismo es una corriente artística que inicia en Europa y después se va extendiendo a América; como la mayoría de los movimientos artísticos surge como reacción a otros, los modernistas, sienten que Es momento de incorporar "cosas nuevas", sobre todo en la literatura la arquitectura y la pintura y van incorporando ciertos elementos representativos las referencias con el oriente y lo exótico", el color azul, etc... son elementos recurrentes en esta corriente.

El modernismo es una serie de tendencias en la cultura, producto de los cambios producidos en la sociedad occidental durante los siglos XIX y XX. Lo común del movimiento es la sensación que los "antiguos" moldes en el arte, literatura, religión, filosofía y sociedad quedan obsoletos o no son adecuados para la nueva configuración del mundo por aquella época. Hay mucha discrepancia en las definiciones, pero estos puntos creo son lo central.
En el arte plástico, llamamos modernismo a las obras hechas durante 1860 y 1970, asociadas a un rompimiento con las tradiciones de forma del pasado, y a un espíritu de experimentación. 
En la literatura, algunos llaman a Kant el primero en el modernismo. Destacan Darwin, Karl Marx, Flaubert, T S Eliot, Virginia Woolf, etc... Algunos incluso separan el modernismo del "postmodernismo". Un tema muy amplio, pero con esto te haces una idea.

Características del modernismo

El Modernismo es objeto de distintas interpretaciones, con estas dos posturas fundamentales:

• La más restrictiva lo considera un movimiento literario bien definido que se desarrolló entre 1887 y 1910.
• La más amplia considera que el modernismo no es sólo un movimiento literario sino toda una época y la actitud que le sirvió de base.

Conciliando ambas, cabría definir el modernismo literario como un movimiento de ruptura con la estética vigente que se inicia en torno a 1880 y cuyo desarrollo fundamental alcanza hasta la Primera Guerra Mundial. Tal ruptura se enlaza con la amplia crisis espiritual de fin de siglo.

El modernismo hispánico es una síntesis del Parnasianismo y del Simbolismo: del primero toma la concepción de la poesía como bloque marmóreo, con el anhelo de perfección formal, los temas exóticos, y los valores sensoriales; del segundo la concepción de que el arte debe sugerir, y la búsqueda de efectos rítmicos dentro de una variada musicalidad. El Modernismo también subsume, aunque con menos importancia, corrientes estéticas como el Decadentismo y La Hermandad Prerrafaelita. Las principales características del modernismo son:

• El rechazo de la realidad cotidiana, ante la cual el escritor puede huir en el tiempo (evocando épocas pasadas y mejores) o en el espacio (muchos de los poemas se desarrollan en lugares exóticos y lejanos).

• Una actitud aristocratizante y cierto preciosismo en el estilo, así como la búsqueda de la perfección formal (de inspiración parnasiana) que se aprecia no sin cierto individualismo.

• La búsqueda de la belleza se consigue a través de imágenes muy plásticas y acercamiento a las artes, de una adjetivación con predominio del color y con imágenes relacionadas a todos los sentidos, así como con la musicalidad que produce el abuso de la aliteracion los ritmos marcados y la utilización de las (influencias del simbolismo).

• Tanto la fidelidad a las grandes estrofas clásicas como las variaciones sobre los moldes métricos, utilizando versos medievales como el alejandrino, el dodecasílabo y el eneasílabo; con aportes de nuevas variantes al soneto.

• El uso de la mitología y el sensualismo.

• Una renovación léxica con el uso de helenismos, cultismos y galicismos, que no buscaba tanto la precisión como el prestigio o la rareza del vocablo.

• El deseo innovador que aspiraba a la perfección que apreciaban en la literatura europea.

• La adaptación de la métrica castellana a la latina.

• El culto a la perfección formal, con poesía serena y equilibrada.

Temas del modernismo

La temática modernista revela, por una parte, un anhelo de recreación de armonía frente a un mundo inarmónico, y así un ansia de plenitud y perfección; y, por otra parte, una búsqueda de raíces en la crisis que produjo un sentimiento de desarraigo en el escritor, quien se presenta como guía capaz de mostrarle al hombre común los valores verdaderos. Los temas tratados son muy variados, pero estos son algunos de los más recurrentes:

• La desazon típica del romanticismo: el hastío de la vida y una profunda tristeza, junto a la melancolía y la angustia.
• Búsqueda de la soledad y rechazo de una sociedad.
• El escapismo, evasión de la realidad del tiempo y del espacio.
• El amor y el erotismo, con cierta idealización del amor y de la mujer. El tema del amor imposible se presenta con diferencias respecto al ideal romántico. Hay un contraste entre el profundo y delicado amor y un intenso erotismo.
• El cosmopolitismo muestra el anhelo de distinto y aristocrático. Los modernistas demostraban mucha devoción por París.
• Los temas americanos, en especial los temas indígenas, muchas veces con una defensa del indígena.
• Lo hispano como antecedente histórico valioso que otorga una armonía frente al mundo inarmónico.

 Raíces modernistas

tradicionalmente se ha asociado su comienzo a la publicación, en 1888, de Azul..., de Rubén Darío, a causa de la innegable repercusión del libro en la literatura de Hispanoamérica.

El término modernismo designaba cierta corriente heterodoxa de renovación religiosa, y se aplicó en el campo de las artes a tendencias surgidas en los últimos veinte años del siglo XIX. Sus rasgos más comunes eran un marcado anticonformismo y un esfuerzo de renovación. En su origen el apodo de ``modernistas`` era utilizado con un matiz despectivo. Hacia 1890, Rubén Darío y otros asumen tal designación con insolente orgullo; a partir de entonces el término modernismo fue perdiendo valor peyorativo.

En ciertos aspectos su eco se percibe en movimientos y en corrientes posteriores.

Principales modernistas

El Modernismo cuenta con un elevado número de escritores en América. Algunos han tenido verdadera repercusión internacional y otros han quedado reducidos al ámbito nacional. Un aspecto común fueron los viajes que hicieron, bien por trabajo (muchos fueron diplomáticos), bien por ampliar sus conocimientos y conocer a otros escritores. Darío es, sin lugar a dudas, el más influyente, pero también hay otros que entablaron relaciones con escritores españoles.

Algunos autores que participaron de una estética semejante y publicaron en la primera mitad de la década de 1880, como José Martí, Julián del Casal,Manuel Gutiérrez Nájera, Salvador Díaz Mirón, Enrique Gómez Carrillo, Manuel González Prada, Amado Nervo, José Asunción Silva, Guillermo Valencia,Enrique González Martínez y Salvador Rueda fueron considerados precursores del modernismo. La crítica actual los considera autores plenamente modernistas.

El Realismo from Actimoliner Actimoliner

Realismo y Naturalismo

El Realismo y El Naturalismo

El Realismo 

Se conoce con el nombre de realismo al movimiento cultural, propio de una sociedad burguesa, a la que no le agradan las ideas idealisticas románticas.

permite identificar a la manera de contar, presentar, considerar o percibir lo que ocurre tal como sucede. A raíz de esto se puede decir que la postura realista tiene la particularidad de evitar exageraciones: sólo narra los acontecimientos concretos. Por ejemplo: “Miremos la situación con realismo: el paciente está grave, pero estamos trabajando para salvarlo” es una frase que hace referencia al estado de salud de una persona. Si consideramos que dicha gravedad es comprobable, expresiones como “No tiene nada, en unos días vuelve a casa” (minimiza la gravedad) o “Ya está perdido, no se puede hacer nada” (exagera la realidad) no son realistas.

Cabe resaltar que el realismo también identifica una doctrina filosófica que se caracteriza por resaltar la existencia objetiva de los conceptos de carácter universal. Desde la perspectiva de la filosofía moderna, el realismo constituye un saber basado en la idea de que los objetos que pueden percibirse a través de los sentidos poseen una existencia que resulta independiente respecto de ellos mismos. es una corriente estética que supuso una ruptura con el romanticismo, tanto en los aspectos ideológicos como en los formales, en la segunda mitad de siglo XIX.

Características:

Los rasgos fundamentales del realismo son los siguientes:

• Procura mostrar en las obras una reproducción fiel y exacta de la realidad.
• Se opone al romanticismo en su rechazo de lo sentimental y lo trascendental; aspira, en cambio, a reflejar la realidad individual y social en el marco del devenir histórico.
• Hace un uso minucioso de la descripción, para mostrar perfiles exactos de los temas, personajes, situaciones e incluso lugares; lo cotidiano y no lo exótico es el tema central, exponiendo problemas políticos, humanos y sociales.
• El lenguaje utilizado en las obras abarca diversos registros y niveles de lenguaje, ya que expresa el habla común y se adapta a los usos de los distintos personajes, que son complejos, evolucionan e interactúan influyendo en otros.
• Las obras muestran una relación mediata entre las personas y su entorno económico y social, del cual son exponente; la historia muestra a los personajes como testimonio de una época, una clase social, un oficio, etc.
• El autor analiza, reproduce y denuncia los males que aquejan a su sociedad.
• Transmite ideas de la forma más verídica y objetiva posible.

Evolución Del Realismo

Su nacimiento está ligado al ascenso, al afianzamiento de la burguesía y a la nueva sociedad urbana originada como consecuencia del desarrollo de la Revolución industrial y el consiguiente éxodo masivo del campo a las ciudades. La mesocracia o clase media preponderante, y progresivamente alfabetizada, impuso sus gustos en materia literaria, pues la mayor parte de los lectores pertenecían a esta clase.

La clase media empezó a notar los efectos beneficiosos del progreso, pero también los nuevos problemas a que daba lugar, hasta entonces desconocidos, como un cambio esencial de valores desde los tradicionales que dominaban en los ambientes rurales a los urbanos, más cínicos, individualistas y materialistas. Este contexto favoreció el realismo como estilo literario y la prosa narrativa como género dominante, puesto que permitía reconstruir la realidad de una forma flexible y alejada de retóricas pasadas y moldes fuera de uso y dejaba libertad al escritor para elegir temas, personajes y situaciones. Por eso la novela fue aumentando su popularidad gracias a su vinculación con la prensa periódica, vehículo a través del que se difundieron, por entregas, numerosas narraciones económicas que, de esa manera, llegaron a un público más amplio que nunca hasta entonces, gracias al abaratamiento de los materiales librarios de impresión y edición y la alfabetización masiva por parte del estado, una de las conquistas de las revoluciones burguesas, para garantizar en principio la igualdad ante la ley.

La novela realista europea viene a ser la épica de la clase media o burguesa que ha conseguido —a lo largo de sucesivas revoluciones que le han ido confiriendo cada vez mayor poder (1789, 1820, 1830 y 1848)—, instalarse como clase dominante en todos los aspectos de la vida, incluido el cultural y el estético. Los ideales burgueses (materialismo, utilitarismo, búsqueda del éxito económico y social) irán apareciendo en la novela poco a poco, y en su fase final también irán apareciendo algunos de sus problemas internos (el papel de la mujer instruida y sin embargo desocupada; el éxodo del campo a la ciudad y la mutación de valores subsecuente, por ejemplo). Por otra parte, cuando se vayan reiterando y agotando los temas relativos a la burguesía, la descripción realista irá penetrando en otros ámbitos y dejará la mera descripción externa de las conductas para pasar a la descripción interna de las mismas, transformándose en novela psicológica y generando procedimientos narrativos introspectivos como el monólogo interior y el estilo indirecto libre.

El Naturalismo

El naturalismo fue un estilo artístico, sobre todo literario, basado en reproducir la realidad con una objetividad 
perfecta y documental en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares. Su máximo representante, 
teorizador e impulsor fue el periodista Émile Zola que expuso esta teoría en el prólogo a su novela Thérèse Raquin y 
sobre todo en Le roman expérimental (1880). Desde Francia, el Naturalismo se extendió a toda Europa en el curso 
de los veinte años siguientes adaptándose a las distintas literaturas nacionales. El naturalista presenta al ser humano 
sin albedrío, determinado por la herencia genética y el medio en que vive.
En la mayoría de los escritos lo que se intenta es reflejar que la condición humana está mediatizada por tres factores:
• 1. La herencia genética 
• 2. Las taras sociales (alcoholismo, prostitución, pobreza, violencia) 
• 3. El entorno social y material en que se desarrolla e inserta el individuo. 
Se considera que el Naturalismo es una evolución del Realismo. De hecho, la mayoría de los autores realistas evolucionó 
hacia esta corriente materialista, si bien otros orientaron su descripción de la realidad hacia el interior del personaje 
llegando a la novela psicológica.
El Naturalismo, al igual que el Realismo, refuta el Romanticismo rechazando la evasión y volviendo la mirada a la realidad 
más cercana, material y cotidiana, pero, lejos de conformarse con la descripción de la mesocracia burguesa y su mentalidad 
individualista y materialista, extiende su mirada a las clases más desfavorecidas de la sociedad y pretende explicar 
los males de la sociedad de forma determinista.El Naturalismo tenía como objetivo explicar los comportamientos del ser 
humano. El novelista del Naturalismo pretende interpretar la vida mediante la descripción del entorno social y descubrir 
las leyes que rigen la conducta humana. El Naturalismo surge en París; Zola fue el iniciador del movimiento Naturalista, 
al decidir romper con el romanticismo, crea este movimiento literario; siendo considerado el maestro de este movimiento 
junto con Gustave Flaubert. En sus obras más importantes describirían de manera cruda y realista el contexto social 
de París, el lugar de inicio del movimiento.

Cararacteristicas

1. El Naturalismo dice que la existencia del ser humano está determinada por fuerzas naturales, que la humanidad no puede controlar. 

2. Está basado en la filosofía del determinismo. Esta filosofía dice que el hombre está controlado por sus instintos, sus pasiones y por su entorno social y económico. 

3. El objetivo del Naturalismo es reproducir la realidad con total imparcialidad.

4. Se diferencia del Realismo en que incorpora una actitud amoral en la representación objetiva de la vida. 

5. Los escritores naturalistas consideran que el instinto, la emoción o las condiciones sociales u económicas rigen la conducta humana, rechazando la libre elección y adoptando el determinismo biológico de Darwin y el económico de Marx. 

6. En el Naturalismo se destaca la dependencia del ser humano a las condiciones ambientales y denuncia los límites concretos de su personalidad ética. 

7. Se niegan los principios estéticos tradicionales para proponer una revolucionaria comparación entre lo “bello” y lo “feo”. Se reivindica lo que la gran literatura aristocrática y burguesa había rechazado durante siglos.

8. Esta novela es considerada la representante de las clases bajas, la pequeña burguesía y el proletariado.

9. En la novela naturalista aparecen los personajes más variados, desde alcohólicos, psicópatas, seres que obedecen a sus impulsos más primarios, sin percatarse de ello, aunque estas reacciones serán diferentes según pertenezcan a la burguesía, aristocracia, a las clases bajas etc.

10. Las técnicas narrativas utilizadas en las novelas naturalistas son muy parecidas a las que se pusieron en práctica en el Realismo, aunque es mucho más descriptivo y minucioso, un ejemplo de esta minuciosidad es Zola, que esperaba a la salida de una fábrica, para tomar notas, que luego, utilizaría para describir la salida de los obreros en una de sus novelas.

11. El lenguaje utilizado se inclina especialmente hacia las jergas y el habla regional o popular.

Ensayo ( la casa de bernarda alba)

La Casa De Bernarda Alba ( Federico García Lorca)

Ensayo...

La casa de bernarda alba se evidencian tres actos  del escritor Federico García Lorca  La obra cuenta la historia de Bernarda Alba que, tras haber enviudado por segunda vez a los 60 años, decide vivir los próximos ocho años en el más riguroso luto. Con ella viven cinco hijas, sin personajes masculinos en escena.

El tema de las apariencias y la realidad es muy notorio a lo largo de toda la obra ya que Bernarda trata de tapar a toda costa la realidad para guardar las apariencias, es una persona para la cual todo fin justifica los medios. Ademas para mi un tema que por decirlo así me llamo la atención fue la Envidia por que esta muy presente en la vida de la familia. Todas las hermanas tienen envidia de Angustias, que siendo la menos favorecida físicamente, se va a casar por dinero. También las sirvientas de Bernarda la tienen envidia porque es una mujer que lo tiene casi todo y no se merece nada.

Elementos simbólicos:

POZO: El agua dentro de la obra se manifiesta de una forma muy especial y que no alude específicamente a otro contexto simbólico fuera de ella. Constituye una parte integral y poética dentro de la obra.

La obra esta llena de alusiones respeto al agua, constantemente se esta haciendo referencia a ella.

EL ANILLO DE PERLAS: Es el anillo de compromiso que Pepe le ha dado a Angustias

LAS CAMPANAS: Las campanas, como la muerte del padre.

LAS PUERTAS Y VENTANAS: Las puertas y ventanas permanecen cerradas durante los años de luto. El símbolo que contiene es el de la liberación. Las hijas no podrán pisar la calle durante esos largos e intensos ocho años y por eso llegan a un límite de desesperación.

COLORES: No hay color en Bernarda Alba, sólo hay blancos y negros que nos hacen pensar en frustración, tristeza, horror y llanto.

El color verde- Representa la rebeldía de Adela que resulto en su muerte

El color Negro- Simboliza un luto en el cual viven las hijas de Bernarda ya que viven bajo el mando de su madre sin poder salir y disfrutar la vida.

El color Blanco: la pasión de Bernarda por la limpieza y la pureza que según ella tienen sus hijas.

La imprenta

 Renacimiento.

La Imprenta.

Su invención en 1450 por Guttenberg, tuvo grandes repercusiones. En la reforma protestante, la imprenta jugó un papel fundamental, recordemos que es la “Biblia” el primer libro que se imprimió a gran escala y que por esto se difunden rápidamente los textos de la reforma calvinista.

Ya los romanos tuvieron sellos que imprimían inscripciones sobre objetos de arcilla alrededor del año 
430 A.C y el 440 A.C. Se dice que entre 1041 y 1048,  Bi Sheng
inventó, en China, donde ya existía un tipo de papel de arroz, el primer sistema de 
imprenta de tipos móviles, a base de complejas piezas de porcelana en las que se 
tallaban los caracteres chinos; esto constituía un complejo procedimiento por la 
inmensa cantidad de caracteres que hacían falta para la escritura china. En 1234 
artesanos del reino de Koryo (actual Corea), conocedores de los avances chinos con 
los tipos móviles, crearon un juego de tipos que se anticipó a la imprenta moderna.
Sin embargo, la imprenta moderna no se creó hasta el año 1440 aproximadamente, 
de la mano de Johan Gutenberg.
En  Mangucia, a mediados del S. XV, Johan Gensfleish Gutenberg  (1400  - 1468)  
invento la imprenta de tipos móviles, esto de cada letra con tipo individual, lo que 
permita armar las palabras y de  hay textos completos, es el verdadero genio de 
Gutemberg, por que gracias a esta difusión de ideas  no siguió siendo un patrimonio 
de un grupo selecto y minoritario. 
Antes de la imprenta los libros eran manuscritos, o sea que solo se podían hacer uno a uno  en forma 
poco eficiente y costosa.
Con la imprenta cada libro se  podía hacer con facilidad, lo que en primer 
término fue un aliciente para que la lectura no fuera patrimonio  de unos pocos 
sabios: ya con la existencia de los libros baratos,  se justificaba aprender a leer 
y escribir. En segundo término  cualquier persona podía acceder a imprimir  y 
difundir sus ideas,  porque a partir de la invención de la imprenta las nuevas 
ideas se difundieron  y florecieron en todo el mundo civilizado.
La  instrucción no  siguió siendo un  privilegio, y todas las ideas  tuvieron la 
posibilidad  de ser conocidas por cualquiera. No es extraño que muchos de los 
movimientos y creencias  disidentes de  religión y ciencias  se  multiplicaron a 
partir de la invención de la imprenta. 
Además trajo otro beneficio, la posibilidad de que la lectura  se convirtiera en un medio de 
entretención,  y de ahí al desarrollo de la literatura  en siglos de oro en todos los países no fue sino
un paso. 
Pocos inventos  han tenido tanta influencia en el desarrollo de la humanidad como esta imprenta.

El concepto de impresión es más amplio pues supone la evolución de diversas tecnologías que hoy 
hacen posible hacerlo mediante múltiples métodos de impresión y reproducción. Como la flexo grafía, 
la serigrafía, el Huecograbado, el alto grabado, la fotografía electrolítica, la fotolitografía, la litografía, 
la impresión offset, la xerografía y los métodos digitales actuales.
A finales del siglo XIX, se perfeccionó el proceso, gracias a la invención en 1885 de la linotipia, por  
Ottmar Mergenthaler. 
Libros, incunables, ediciones ilustradas con grabados de madera: la mejora de las técnicas y 
materiales de imprenta llevaron durante cuatro siglos las palabras por todo el mundo. El arte 
tipográfico evolucionó y llegó a crear obras maestras en la formación y estructuras de libros y 
ediciones especiales impresas.
Actualmente las técnicas de impresión en calidad y volumen han mejorado de forma impresionante, 
algunas por medio de computadora, olvidándose del arte tipográfico que muchos tipógrafos del mundo .

La mujer en la Edad Media

LA MUJER EN LA EDAD MEDIA.

- MUJER EN LA SOCIEDAD

- La Educación.

Al principio era un campo destinado solamente a los hombres, ya que ser clérigo, era condición indispensable para acceder a la cultura. Las monjas recibían en sus conventos, una educación muy completa, que incluía latín y griego.

En la segunda mitad del siglo XIII, había en París una escuela femenina. En otras zonas ya se daban escuelas, que aceptaban tanto niños como niñas.

Pero en lo referente a la educación, las mujeres dejaban el colegio al acabar primaria, mientras que los varones podían continuar.

- El amor.

Había tres tipos de damas, las que querían “escuchar” el amor, las que se negaban a “escucharlo” y las que sólo se dedicaban a lo sexual. Estas últimas, eran repudiadas y abandonadas a su suerte.

La primera norma del amor, era la generosidad, tanto moral como espiritual. El hombre no era celoso, pero no amaba. Se podían querer sin casarse, pero se debía mantener en secreto; porque un amor fácil era feo.

Más normas amorosas, se expresaban en las Cortes de Amor, que eran tribunales, donde se sometían a juicio la relación de una pareja. En estas audiencias, las mujeres eran los jueces.

- El matrimonio.

Hasta el siglo XII el matrimonio no se impuso como sacramento. El casamiento supuso una gran mejora para la mujer, ya que se prohibió el divorcio y que se pudiesen repudiar.

Con esto se consigue cierta igualdad con el varón, además, la Iglesia empezó a santificar a algunas mujeres casadas.

Los bienes del matrimonio, eran administrados por el marido, lo que sólo provocó problemas en las clases altas.

En Florencia, cuando la mujer se quedaba viuda se volvía con su familia, para poder establecer lazos con otra dinastía.

En Valencia, la familia de la mujer, podía reclamar a la familia del cónyuge la dote, si no había habido descendencia. Si enviudaba la mujer conseguía su propia autonomía.

Mientras que en las regiones donde se imponía el sistema de primogenitura, la viuda debía de acudir a un convento, donde también tenía que llevar una asignación.

- Labores.

El trabajo estaba destinado para todos aquellos que no guerreaban, ni rezaban.

Al estar una sociedad básicamente rural, la mujer ayudaba en las faenas del campo, con el resto de su familia. Así como colaborar con su marido en las labores de su trabajo.

Si la mujer abandonaba a su familia para trabajar por su cuenta, solía ser como criada. Dentro de este trabajo había distintas clases:

- las damas de honor de la nobleza.

-Las sirvientas que eran el juguete sexual de sus amos. Éstas trabajarían en los peores trabajos, llevarían las ropas más humildes y comerían las sobras

-Las esclavas, que eran fruto del comercio humano que se da a lo largo de toda la época medieval. Con preferencia entre las mujeres orientales o blancas.

Había trabajos destinados especialmente a las mujeres como eran el hilado, que debían ser desencantados antes, o el horneado. Poseía un sueldo menor al del hombre.

Las muchachas se iniciaban en el trabajo entre los 6 y 13 años.

- Ama de casa.

La mujer era el núcleo de la pareja y de la casa. La mujer común se dedicaba a hacer las tareas del hogar, y tanto las nobles, como las plebeyas, se encargaban de la educación de los hijos.

- La Prostitución.

En el siglo XIII, la Iglesia inició una dura persecución de las prostitutas.

En el XIV y XV, algunos clérigos llegaron a decir, que los pecados carnales eran menores por venir por naturaleza.

Otros decían que como no sacaba placer de su trabajo, si no una recompensa monetaria, estaba libre de pecado.

Desde ese momento la prostitución es un servicio público, que algunos ven, como medicina, para “males”, como la homosexualidad o la violencia entra hombres y mujeres.

La prostituta abandona la clandestinidad y la marginación.

En la crisis de finales del siglo XV, al afectar a las capas más pobres de la sociedad, se dará un aumento de esta profesión.

- Feminidad.

Había ungüentos y cremas de todos los tipos, como de manteca de cerdo, leche de almendra o aceite de oliva.

El ideal de belleza, era la mujer de cabello rubio y rizado, de piel clara, con nariz recta y fina, una silueta esbelta y con caderas flexibles.

La ropa de la mujer en la Edad Media se componía, en un principio, de dos vestidos, una capa y una cofia; más tarde aparecerá una nueva prenda como es la camisa de lino. Los zapatos tenían las puntas retorcidas.

Si era soltera llevaba la corona virginal, que era una corona de flores, mientras que si era casada, debía de llevar el pelo cubierto con un velo.

En la mitad de la Edad Media, los colores toman el mando y dividen el cuerpo en dos y de forma longitudinal, era un traje mitad y mitad.

Ya al final de este período lleva cola, largas y ajustadas mangas y en la cabeza un hennin.

- La Iglesia.

Para la Iglesia la mujer era inferior al hombre desde la creación de la raza humana y por lo tanto, era menor espiritualmente.

La Iglesia exaltará en todos los sermones la virginidad, ya que se valoraba la renuncia al matrimonio carnal, para unirse con Dios.

Por esto, un buen número de mujeres se unieron a conventos buscando, de esta forma, no volver con la familia.

Mester de Juglaria

Mester de juglaría era la poesía de los juglares castellanos medievales, cuyo arte se apoyaba en la tradición oral y en las gestas. Aunque floreció en los siglos XII y XIII, también se producen algunas muestras durante el siglo XIV, pero se fue perdiendo con el Renacimiento. A diferencia del Mester de clerecía, los temas se relacionaban con las gestas, a las que se imbuía un carácter mitológico.

La versificación empleada en este género era irregular, cultivando sobre todo la poesía lírica, dramática y narrativa, siempre con el apoyo del canto recitativo. El género del Mester de juglaría tiene como exponente y obra cumbre al Cantar del Mío Cid.

A lo largo de toda la Edad Media, los juglares constituyeron un importantísimo elemento de difusión de la cultura. De hecho, debido a que los libros (que fueron manuscritos hasta la invención de la imprenta) solo estaban accesibles para las elites, los juglares se erigían como el único medio disponible para las clases menos favorecidas.

Los juglares, que eran habitualmente rapsodas (recitadores de versos), se diferenciaban de los trovadores en que no componían los versos que recitaban. Su actividad la realizaban en público, y los temas eran generalmente los cantares de gesta y otros poemas de tipo lírico, como los romances. Pero no sólo se limitaban a recitar, pues los juglares sabían tocar instrumentos musicales, y solían acompañar con ellos sus actuaciones; también cantaban, bailaban, y hacían números circenses y juegos malabares.

Socialmente, los juglares tuvieron distinta consideración: eran apreciados en algunas cortes, pero también fueron reprimidos por parte de la Iglesia y de los reyes. Los cambios sociales y culturales que se comenzaron a manifestar a mediados del siglo XV hizo que sus actividades comenzaran a decaer, abriéndose el camino al humanismo renacentista.

Mester de clerecia

A la par del mester de Juglaría, en la Edad Media española, apareció una actividad poética religiosa, que se llamó mester de clerecía, pues eran producciones realizadas por clérigos y gente culta.

Mester de Clerecía (del latín mi­nisterium) significa oficio propio de clérigos. Ahora bien, debemos de tener en cuenta que por clérigo hay que entender también al hombre culto que ha recibido educación latino-ecle­siástica, ya que el saber se había refugiado en los monasterios. En este sentido, clérigo se oponía a caba­llero. Salvador Miguel define esta es­cuela como "un movimiento litera­rio de poesía narrativa, de carácter culto e intención, a la par, didáctica y amena, que se desarrolla en Es­paña, aunque localizada fundamen­talmente en el reino castellano, desde el siglo XIII hasta comienzos del XV (el "Rimado de Palacio" se finaliza hacia 1403), y que, si coexiste cier­to tiempo con el mester de juglaría, presenta, no obstante, característi­cas concretas y propias” Principales Características

Mester de Clerecía (del latín mi­nisterium) significa oficio propio de clérigos. Ahora bien, debemos de tener en cuenta que por clérigo hay que entender también al hombre culto que ha recibido educación latino-ecle­siástica, ya que elsaber se había refugiado en los monasterios. En este sentido, clérigo se oponía a caba­llero. Salvador Miguel define esta es­cuela como "un movimiento litera­rio de poesía narrativa, de carácter culto e intención, a la par, didáctica y amena, que se desarrolla en Es­paña, aunque localizada fundamen­talmente en el reino castellano, desde el siglo XIII hasta comienzos del XV (el "Rimado de Palacio" se finaliza hacia 1403), y que, si coexiste cier­to tiempo con el mester de juglaría, presenta, no obstante, característi­cas concretas y propias”. El nombre dado a este movimiento proviene de unos conocidos versos del "Libro de Alexandre", y que re­sume sus principales características:           Una de las notas caracterizado­ras y esenciales del mester de cle­recía es el apego a unas fuentes escritas, que se citan constantemen­te como autoridad. A veces, el autor se sirve de un solo texto como base, pero otras veces reelabora di­versas obras. El lugar preferente entre estas obras que utilizan los clérigos, lo ocupa la Biblia, pero también se ba­san en textos latinos, y a veces en fuentes romances, especialmente francesas y españolas.          Al ceñirse a un texto erudito, los temas carecían de originalidad, que trataba de suplirse a través de los recursos retóricos que se encontra­ban enumerándose las "Artes poé­ticas" de la época.          Precisamente la temática consti­tuye un elemento de diferenciación con respecto al mester de juglaría pues la épica sólo desarrollaba te­mas de tipo histórico, mientras que los poemas de clerecía responden a una temática más variada, que va desde los temas religiosos (Li­túrgicos, hagiográficos, doctrinales, marianos) , ascéticos y didácticos, a los legendarios e incluso amo­rosos. El "Poema de Fernán Gon­zález" es la única obra de clerecía cuya temática se refiere a la histo­ria castellana. Nos encontra­mos, por lo tanto, ante unos temas eruditos, de cuyo significado y va­lor cultural muestran clara concien­cia los poetas.          La métrica constituye también uno de los elementos caracterizadores de la clerecía. La estrofa que se usa es la cuaderna vía o tetrás­trofo monorrimo, que está compues­ta por cuatro versos alejandrinos (de catorce sílabas) monorrimos, con rima consonante y divididos en dos hemistiquios. Se ha discutido mu­cho sobre el origen francés del ver­so alejandrino. Deyermond considera que no sólo la métrica pudo provenir de Francia, sino también otros elemen­tos lingüísticos y conceptuales.          De cualquier forma, aparecen bastantes irregularidades métricas en los poemas, y en ellos se apoyan Menéndez Pidal y Henríquez Ureña para aproximar el mester de clerecía al de juglaría. Sin embargo, es­tos fallos también pueden explicar­se por la descuidada transmisión ju­glaresca, ya que no se nos ha con­servado ni un sólo manuscrito au­tógrafo. En este sentido, destaca Salva­dor Miguel, que ya en el siglo XIV, la métrica pierde la rigi­dez que había tenido en el XIII y aparecen formas más líricas y de metro más corto o más largo, a ve­ces.          Otro elemento que distingue cle­recía y juglaría es el de la diferente intencionalidad, pues la del mes­ter de clerecía es ante todo didác­tico-moral, aunque sin excluir por completo el entretenimiento.          Sin embargo, a pesar de estas diferencias expuestas, clerecía y ju­glaría no son dos mesteres tan opuestos, pues ya Menéndez Pidal había señalado ciertas analogías entre ambos movimientos, como las llamadas de atención a los oyentes, el tono narrativo-oral o la utilización por parte de los cléri­gos de epítetos épicos, semejanzas que Menéndez Pidal explica por el largo período de tiempo durante el cual convivieron ambos mesteres o también por el público al que iba dirigido, pues según este investiga­dor  era el mismo para quien cantan los juglares. Por su parte Díez Borque considera que aunque se trata de una poesía que en su origen no es popular, va dirigida al pue­blo, por lo que en el clérigo hay una voluntaria vulgarización para acomo­darse al gusto popular, y López Es­trada resume con las siguientes pa­labras esta dualidad que va a dar­se en la clerecía: "El arte de clere­cía hubo de ser popu­lar o aparentarlo, porque su fin era valerse de la lengua común para tra­tar de asuntos moralizadores (...). Sin embargo, el arte de clerecía in­tentó ser culto en cuanto a la inten­ción, autoridad de las fuentes usa­das, y a la técnica de la expresión, que enriqueció con la adaptación de una retórica a tono con los asun­tos, de forma que quedara lo más cerca posible del latín".          En cuanto al lenguaje, pretende ser más cuidado y selecto que el de los juglares, pero con el fin de acercarse a la mentalidad del pue­blo, el poeta utiliza con bastante fre­cuencia expresiones sencillas y fa­miliares, e incluso a veces vulga­res, aunque como nos recuerda La­pesa, los poetas del mester eran hombres doctos, con saber suficiente para tomar de textos latinos los asun­tos de sus poemas, ya fueran le­yendas piadosas, y narraciones re­lativas a la antigüedad pagana. Es natural que en sus escritos se re­fleje el conocimiento del latín en abundantes cultismos.          Por otra parte, al ser la temática más variada, también el léxico era más amplio que el de los juglares épicos, y en las descripciones apa­recen escenas vivas y concretas de la realidad con abundancia de com­paraciones.  PRINCIPALES OBRAS DEL MESTER DE CLERECIA. SIGLOXIII. IBRO DE APOLONIO.          Es una obra compuesta de 656 estrofas que relatan las complica­das peripecias y aventuras del rey Apolonio de Tiro, en la línea de la novela bizantina. Se conserva en un códice de la Biblioteca de El Escorial (el mismo que contiene la "Vida de Santa Ma­ría Egipciaca" y el "Libro deis tres Reys d'Orient", que algunos consideran por su temática, aunque no por su forma, pertenecientes a esta escuela del mester de clerecía). La datación de la obra se considera de hacia la mitad del siglo XIII.          Se desconoce el nombre del au­tor y su origen, pero se piensa en un clérigo por el carácter culto de la obra y su espíritu moralizador, ya que el poe­ma muestra la recompensa de la virtud, y el desenlace constituye para el héroe y su familia un premio no a su fuerza e inteligencia, sino a su constante virtud y confianza en Dios.          Como el tema de Apolonio fue abundante en la literatura medieval, es difícil precisar las fuentes del poema español. En el siglo X (el original debe ser de los si­glos V Y VI) se encuentra el ma­nuscrito de una obra, "Historia Apo­llonii regis Tyri", que desarrolla la leyenda con amplitud y que circuló profusamente por Europa. Del siglo XI hay otra versión latina, la "Ges­ta Apollonii". Aunque con la que tiene mayores coincidencias es con la "Historia Apollonii regis Tyri".         Díez Borque dice que la estruc­tura de esta obra puede determi­narse en torno a tres elementos: Pro­tagonista, aventuras, finalidad. El per­sonaje central (protagonista) da uni­dad a la obra y en él inciden los restantes personajes y aventuras. También los otros dos elementos (la aventura del héroe y la lección mo­ral que se desprende de su actuación) contribuyen a dar unidad a la obra.          El poeta tiende a hacer los he­chos más familiares al público de la época y a veces crea animados cuadros de costumbres medievales castellanas. El autor revela una habilidad na­rrativa superior a la de todos los demás poetas de clerecía, pero para evitarle al lector la monotonía de la simple narración, se sirve de la descripción y del diálogo para avi­var el relato. Concretamente el diá­logo consigue momentos de inten­sidad con cierta habilidad en la dra­matización. Además, cabría desta­car el valor de algunos soliloquios que sirven para intensificar la ac­ción, manteniendo la atención del auditorio. Por lo que se refiere a la métri­ca, se maneja el alejandrino con cier­ta flexibilidad, pero abundan las irre­gularidades en la rima. 2.2. LIBRO DE ALEXANDRE.          El poema narra la historia de Ale­jandro de Macedonia, siendo el nú­cleo central de la obra las hazañas bélicas del protagonista después de su coronación, con una gran insis­tencia en el ansia de saber de Ale­xandre. El poema se conserva en dos ma­nuscritos: a) De la Biblioteca Nacional de Ma­drid. Copiado a fines del XIII o principios del XIV y su lengua con­tiene buen número de leonesis­mos. b) De la Biblioteca Nacional de París. Es una copia del siglo XV con diversos aragonesismos. A pesar de ser más reciente que el anterior, este manuscrito tie­ne mayor relación con el original por la mayor fidelidad a las fuentes y la mejor conservación de la me­dida de los versos.          Los dos códices están incomple­tos, pero la numeración combinada de ambos da un total de 2.675 es­trofas, lo que hace de la obra la más extensa del mester de clere­cía.          La autoría plantea una serie de problemas, ya que en la última es­trofa del manuscrito de Madrid el poema se atribuye a Juan Lorenzo Segura de Astorga, mientras que en la última estrofa del manuscrito de París se le atribuye a Gonzalo de Berceo. La autoría por parte de un cléri­go vendría demostrada por el ma­nejo de fuentes latinas y francesas, y el deseo de mostrar cultura por su conciencia de dignidad literaria. Hasta hace poco tiempo la mayoría de los estudiosos aceptaban la idea de Alarcos Llorach que pensaba que ninguno de los dos nombres cita­dos correspondían al autor, sino que se trataba de un éxplicit final aña­dido por el copista; sin embargo, actualmente hay críticas que propo­nen que el autor es Berceo; sin embargo, hay una serie de dificultades toda­vía no resueltas para considerar to­talmente exacta esta suposición.          En cuanto a las diversas opinio­nes respecto a la datación, desde T. A. Sánchez, la opinión más generalizada sostiene que el original tuvo que ser redacta­do a finales de la primera mitad del XIII, y sería anterior al "Poe­ma de Fernán González", cuyo autor conoce la obra y la utiliza en varios casos.          Los relatos medievales en torno a la figura de Alejandro Magno pro­vienen del libro de aventura deno­minado "Pseudo-Callistenes", com­puesto en Egipto hacia el siglo II a. C., y entroncan con una remota tra­dición más o menos histórica cuyo más destacado representante es Quinto Curcio, pues durante la Edad Media se desconoció un en­foque objetivo de este persona­je.          El poema español se inspira es­pecialmente en el "Alexandreis", escrito en hexámetros latinos por Gautier de Hatillon ente 1 .178 Y 1.182, que depende a su vez de la tradición de Quinto Curcio. El autor español usa, además, otrasfuen­tes secundarias: El "Roman d'Ale­xandre" y la "historia de Proeliis". García Gómez por su parte ha es­tudiado los elementos arábigos que el autor incorpora a su poema.          En cuanto a la lengua, la opinión más generalizada opina que es el castellano, aunque otros investiga­dores, como Menéndez Pidal y Co­rominas, piensan que la lengua ori­ginaria fue el leonés. Emilio Alar­cos considera que la lengua primiti­va fue el castellano, atribuyendo los dialectalismos a los copistas poste­riores. Además dice que las pala­bras que a primera vista no pare­cen peculiares de Castilla deben es­timarse como arcaísmos precaste­llanos.          Una gran parte de la obra está constituida por asuntos ajenos al nú­cleo central del relato, y es a causa de estasdigresiones supuestamente innecesarias por lo que su estruc­tura fue criticada durante tiempo por los investigadores, pero últimamente esta estructura está siendo consi­derada como sutil, coherente y efi­caz, como un factor fundamental que pone el poema español por encima de casi todas las obras medievales sobre el tema.          La más importante de todas las digresiones es la narración de la gue­rra de Troya (1.688 versos), que for­ma un relato independiente y que es el primer paradigma de las le­yendas troyanas en la literatura es­pañola.             Alexandre es presentado como paradigma del caballero perfecto, y el saber es componente básico de su personalidad y elemento es­tructural, lo cual supone una unión de caballería y clerecía, armas y le­tras. Sin embargo, la soberbia del protagonista, mal vista por Dios, precipita su muerte, y el poeta saca unas consecuencias mora­les.          Sigue habiendo discusiones so­bre la actitud que manifiesta el au­tor con respecto a su personaje. Bly y Deyermond sostienen que el autor soslaya el problema de la culpabilidad o no de Alejandro, y lo que hace es presentar el des­tino de su héroe como ejemplo de la caída de las glorias mun­danas.          Como en todas las obras del mes­ter de clerecía hay un sentido di­dáctico-moral, pero no sólo reli­gioso (mostrar el pecado de so­berbia de Alexandre), sino tam­bién profano, que se basa en las digresiones ilustradoras para los oyentes.          En cuanto a los anacronismos que siempre se le han imputado al poe­ma, comenta Deyermond que la ac­tualización medieval de la antigüe­dad clásica no supone un ingenuo exotismo, sino un plan deliberada­mente encaminado a facilitar la com­prensión de la obra a sus lectores contemporáneos.          En cuanto a la métrica, Alarcos considera que las irregularidades se deben a errores de los copistas mien­tras que Henríquez Ureña dice que se deben al octosílabo que ya entonces comenzaba a hacer sentir su influjo. 2.3. POEMA DE FERNÁN GONZÁLEZ.          Se trata de la única obra de cle­recía que se ocupa de un tema épico con un héroe nacional. Pre­cisamente la combinación de técni­ca y espíritu de clerecía con el tema épico, al lado de fórmulas y recur­sos propios de la épica popular ha­cen de esta obra un caso de espe­cial interés como fusión de ambos mesteres. Su finalidad es la de lo­grar que otros emulen la generosi­dad del conde castellano, y de atraer asimismo peregrinos al monasterio de Arlanza. De todas maneras, De­yermond opina que "El Poema de Fernán González" tipifica el uso de materiales épicos subordinándolo a intereses religiosos, lo que explica que no siempre se haya advertido que constituye en sí mismo, y a pe­sar de su métrica, un verdadero poe­ma épico. Por su parte M. T. Lida lo califica de "epopeya clerical", y para J. B. Avalle-Arce nos encontra­mos ante "un tema épico cuya úni­ca forma antigua es culta, erudita y clerical".          En la Biblioteca de El Escorial se encuentra el único manuscrito con­servado, que es una copia tardía del XV en la que han intervenido dos copistas. Además, está incom­pleto, pues faltan versos y estrofas enteras, contiene diversos errores y el lenguaje se moderniza.          Las lagunas han podido suplirse en parte por las prosificaciones, so­bre todo por la "Primera Crónica General", y además tenemos noticias de otros tres códices, hoy perdidos.          En cuanto al posible autor, la crí­tica viene aceptando en general la opinión de Amador de los Ríos que supuso que se trataba de un monje de San Pedro de Arlanza, basán­dose en el detenimiento con que se narran las donaciones del Conde a este monasterio, en el hecho de que Fernán González le confía la guar­da de sus restos y en otra serie de detalles.          Se ha logrado fecharlo con bastante aproximación. Menéndez Pidal lo supuso de hacia 1240, y poco más tarde concretó la fecha en 1250. Es posterior a Berceo y al "Libro de Alexandre", de los que tiene al­gunos influjos.          En cuanto a las fuentes, ade­más de los influjos arriba rese­ñados, se utiliza la Biblia con frecuencia, y, entre las obras me­dievales, las de Isidoro de Sevi­lla, Lucas de Tuy, el "Liber Re­gum". Incluso hay reminiscencias del "Poema de Mio Cid" y la "Chanson de Roland".          En el poema se mezclan datos históricos, elementos novelescos y elementos fabulosos. Comienza ha­ciendo un resumen de la Historia de España en la época goda, habla de la invasión musulmana y de al­gunos reyes y caudillos cristianos. Luego entra en la genealogía de Fernán González, que a partir de aquí pasa a ocupar el primer pla­no del Poema, narrando su edu­cación y sus batallas y conquis­tas. El poema se interrumpe en la estrofa 752. Según Gimeno Casalduero se es­tructura en tres partes:          Históricamente se conocen pocos datos que sean rigurosamente cier­tos sobre Fernán González, nacido hacia el 915 y muerto a principios del 970. El paso de la historia a la leyenda se hizo pronto y aquélla que­dó irreconocible.          Es probable que la unión de his­toria y leyenda pueda provenir en parte del origen épico del tema uni­do a una intencionalidad poética que es parecida a la finalidad épica: Lo que el autor pretende es exaltar al héroe de la independencia caste­llana y cantar a Castilla como nú­cleo central y originario de España. De este modo, el castellanismo se convierte en carácter inseparable de la obra. Además, el ser el Con­de prototipo de Castilla debe reunir las cualidades típicas de un héroe castellano: es religio­so, gran guerrero, amante de la justicia y de la igualdad, ge­neroso, etc. 2.4.CASTIGOS Y EJEMPLOS DE CATON.          Esta obrita corta pertenece a la segunda mitad del siglo XIII, y está escrita en la métrica propia del mester de clerecía, aunque está ligada a la literatura gnómica. Estos castigos y ejemplos están relacionados con las muchas refun­diciones que se hicieron del pseu­do-Catón. Esta obra debió de go­zar de cierta difusión, pues todavía en el siglo XVI circulaba en pliegos sueltos.  {mospagebreak} 3. GONZALO DE BERCEO. A) DATOS SOBRE SU VIDA.          Gonzalo de Berceo es el primer poeta castellano de nombre cono­cido, pero son muy pocos los datos que tenemos sobre su vida.          Nació en los últimos años del si­glo XII, probablemente hacia 1198 en Berceo (Rioja Alta), lugar cerca­no al monasterio de San Millán de la Cogolla, donde se educó como él mismo nos dice en sus obras. Desde el año 1220 hay documen­tos en los que aparece su nombre. Sobre la fecha de su muerte no te­nemos datos concretos, aunque sa­bemos que vivía todavía en 1252.          Toda la obra de Berceo gira alre­dedor de la temática religiosa, aun­que con una cierta variedad: litur­gia, culto mariano, leyendas e his­torias piadosas.          Su lengua es la común de la Rio­ja Alta, relacionada con el navarro­aragonés y el castellano del norte. También recoge formas arcaicas y vulgares, catalanismos, provenzalis­mos, cultismos y frases latinas. Pre­cisamente por el uso que hace del habla familiar y locuciones vulga­res siempre se ha considerado su lenguaje como prosaico, aunque pre­cisamente su encanto está en ha­ber elevado lo cotidiano y vulgar al grado de poesía.          Como ya hemos señalado en las características generales del mes­ter de clerecía, Berceo manifiesta un gran interés por ceñirse a las fuentes, y así dice constantemente. Sin embargo, a pe­sar de esta sumisión, añade y su­prime elementos y utiliza una serie de recursos literarios dentro de los "topoi" medievales, aunque otras veces incorpora elementos que ha observado en la realidad. Precisa­mente la ampliación a la fuente no supone, por lo general, conocimientos eruditos, sino elementos persona­les que hacen de él un autor más cercano a nosotros.          En los poemas de este escritor hay utiliza­ción de recursos juglarescos, lo que llevó a decir a Menéndez Pidal que iban dirigidos al mismo auditorio que el de los juglares; con una postura totalmente opuesta, Gicovate sos­tiene que se dirigían a un público selecto y aristocrático. Más probable parece la opinión de Cirot que considera que escribía para sus amigos, para los agentes de la pa­rroquia y para los propios monjes del monasterio.          Otra cuestión interesante es la de la intencionalidad de su obra, pues según las conclusiones de Brian Dut­ton no puede mantenerse la ima­gen clásica de Berceo como un clé­rigo ingenuo y casi ignorante. Dut­ton viene a afirmar que las obras de Berceo, más concretamente las hagiográficas, tienen como finalidad una propaganda de los monasterios de San Millán y de Silos para pro­ducirles beneficios.          C) RASGOS ESTILÍSTICOS.          Berceo es un poeta de doble ver­tiente. Su arte es de compromiso: Popular y culto a un mismo tiempo. Lo popular constituye la entraña mis­ma de su obra. Abundan los refranes, modismos, expresiones y pa­labras sacadas del mismo hondón del pueblo. Pero también es culto: Intenta transmitir una cultura. Por su obra discurre, junto a la vena de lo popular, un caudal inapreciable de artificios literario. Está pre­ocupado por las formas, por ins­tinto o por educación, pero con un desvelo y una inquietud esté­tica indudable. 1. Realismo: El realismo de Berceo no hay que buscarlo en episodios macabros, sino en la vida sencilla de los conventos y en ese abigarrado mundo religio­so que desfila por sus obras: Mon­jes y abades; santos y pecadores; enfermos y moribundos; desespe­rados, penitentes; condenados y demonios. 2. Afectividad: Trata a sus personajes con cari­ño. El diminutivo de Berceo entra­ña una función emocional, más bien que una noción de empequeñecimiento. Repetidamente, para expre­sar la idea de pequeñez, como si no les bastara el diminutivo de es­fuerzo, potenciando con otras pala­bras la función disminuidora. El "Due­lo" es quizá el poema más emotivo de Berceo. Abundan en él las ex­presiones y los momentos extremos de su lírica pasión. 3. Humor: Menéndez Pelayo afirma que el humor es una constante en las vi­das de santos durante la Edad Me­dia. En el humor de Berceo hay cier­tas socarronerías. De cualquier modo es ingenuo, muy distinto al del Ar­cipreste de Hita. Berceo va sem­brando sus historias de optimismo. 4. El público: R. Menéndez Pidal sostiene que el público de Berceo era el mismo que el del Mester de Juglaría, lo cual no es del todo exacto. Berceo no se dirigía a los peregrinos ex­tranjeros, sino a los españoles del Camino de Santiago. Gente humil­de, pobre, de su propio pueblo, ami­gos, compañeros y en gran medida gentes incultas. Berceo pensó, más que en la clientela de "lectores", en un público de "oyentes", en una extraña y gozosa catequesis en ver­so. Más que escribir para el público que lee, lee él en voz alta a un pú­blico que está escuchando. El público de Berceo está siem­pre presente en su poesía. 5. Presencia del autor: Berceo está presente en su obra con una presencia dinámica y co­municativa, casi física. Continuamen­te aparece su persona. Él encauza y gobierna la dirección de la obra. 6. Amor por las fuentes escritas: Berceo se encierra estrechamen­te dentro del embrujo de las fuen­tes escritas, en las que ciegamente cree. Tiene verdadera pasión por ellas, lo que le da seguridad en sus opiniones. Des­confía de lo no escrito. Su apelación reiterada a que le crean, porque él no cuen­ta más que lo que ha visto escrito. 7. La naturaleza de Berceo: La naturaleza de Berceo está en función de algo. Los astros (sol, luna, estrella) se aúnan con perfecta or­denación a las distintas situaciones de gozo o tristeza de la narración del texto. Las tormentas, los vien­tos, la nieve y las heladas afloran insistentes y preocupantes en la obra de Berceo. De ahí sus ple­garias por los "tiempos bonos". La nómina de los animales de Berceo es abundante y variada. El demonio es una sátira, más temible por su figura repugnante que por sus gestos.          Hay en Berceo un trasfondo agrario y campesino que no se da en otros poemas al mismo tiempo. El lirio y la rosa, únicas flores de Berceo, no está allí en el campo o en el huerto para poner su nota de color, sino que son más bien un objeto bello, que viene muy bien como elemento comparativo para resaltar la hermo­sura de algo. No es poeta colorista. Tres veces se detiene Berceo ante un "Iocus amoenus" y en las tres coincide en el paisaje alegórico, con sentido trascendente: El paisaje de Berceo termina casi donde termina la alegoría. A pesar de sus esca­sos conocimientos geográficos tie­ne sentido claro de la unidad física y espiritual de España.          Los tópicos medievales (juglares o no) invaden también la obra de Berceo. A pesar de su esmero en el recuento silábico, a pesar de su fortuna en la "nueva maestría", se considera a veces un juglar, un tro­vador, e insiste más que en sepa­rar su arte del de los juglares, en distinguir su "román paladino" del arte más difícil de la lengua latina, del "encerrado ladino".